4 D OPTICO

Desde el propio título se proyecta algo que no será del orden de lo real. Al menos, no de aquella realidad que de común acuerdo perciben la mayoría de los individuos.

Hay otra dimensión y hay una cuestión en relación con la mirada, como si se tratara de otra forma de ver que posibilita la percepción de una dimensión más.

La situación está ubicada en un laboratorio donde un grupo de científicos realiza una investigación. En medio de su trabajo, y de las relaciones que se dan en todo ámbito laboral, surge la sospecha de la existencia de realidades paralelas. Realidad paralela que alude por fuera de la obra a las travesías del propio director (como el mismo Daulte expresa en el programa de mano) pero que también puede pensarse en relación al propio hecho de la representación. ¿No anidan acaso, en cada propuesta teatral -donde el actor es otro a la vez que él mismo- realidades paralelas?

En escena se cruzan dos realidades del universo ficcional: la vivida por los científicos del laboratorio y otra donde se trama un plan de asesinato. A la vez, esa realidad de la ficción teatral se confronta con la realidad del espectador que asimismo puede preguntarse por la existencia de universos paralelos al suyo.

De esta manera se construye casi un juego de reflejos infinitos, donde uno bien puede interrogarse sobre las certezas que lo sostienen.

La propuesta siempre suscita dudas acerca de  aquello que uno vive como realidad.

Mientras tanto, en la escena alguien abre el espacio que divide esos mundos paralelos y por ese error, se filtra un personaje de la otra dimensión. De esta manera se unen y confluyen realidades que son superpuestas, una cuestión que no puede ocurrir sin ocasionar algún percance. Aquí ocurre algo vinculado al desequilibrio, a la ruptura. Se rompió el orden, todo está perdido y parece reinar el caos. Porque las paralelas nunca se juntan, nunca deben juntarse. ¿Qué sucede si por algún motivo extraño se unieran mundos que navegan en paralelo?

¿Es posible cambiar el destino? Preguntas que suenan profundas y que son abordadas aquí con humor, sin dramatismo, pero que no por eso dejan de hacer eco en nosotros.

Qué: 4D Optico

Quién: Autoría y Dirección: Javier Daulte.- Actúan: Paula Acuña, Moro Anghileri, Gerardo Chendo, Héctor Díaz, Andrea Garrote, Federico Olivera, Laura Paredes, Julieta Vallina.-Diseño de vestuario: Mariana Polski.- Diseño de escenografía: Alicia Leloutre.-Diseño de luces: Gonzalo Córdova.- Diseño sonoro y Banda de sonido: Mauro Garcia Barbe.- Asistencia de escenografía: Jose Escobar.- Asistencia de iluminación: Facundo Estol.- Asistencia de vestuario: Manola Aramburu.- Asistencia de dirección: Gonzalo de Otaola, Marcelo Mendez.- Producción ejecutiva: Javier Madou.-

Dónde: TEATRO EL CUBO Zelaya 3053 Teléfonos: 4962-5402

Web: http://www.teatroelcubo.com

Cuándo: Viernes y Sábado - 22:30 hs

GOLPE DE AIRE

Un golpe de aire fresco. Una bocanada de aire puro es lo que le hace falta a esta pieza al final, cuando el espectador ha entendido lo doloroso del drama y no sabe dónde escapar.

En una construcción escenográfica, que parece el esqueleto de una casa, transcurre esta historia. Un relato que en su estructura dramática podría ser también como una armadura, el armazón de otra cosa, de otro relato quizás mejor terminado, con final feliz.

La pieza surge tipo rompecabezas, donde se pone en escena el despliegue de distintos punto de vista sobre un mismo hecho que a la vez es contado varias veces avanzando en el recorrido de la historia.

Cada uno de estos relatos es afrontado como si fueran distintas piezas que cada narrador de turno moviera. Pero siempre sobre el mismo cuento, una repetición de la misma historia vista desde un ángulo diferente.

Esta forma de poner en escena un hecho mientras se está relatando hace pensar en la idea de referirse a la construción de la representación al mismo tiempo que se está construyendo. Se relata lo que sucede simultáneamente.

Mamushkas encecerradas una dentro de otra, muñecas rusas que se esconden como un laberinto de cebolla. Que evitan dar en el centro del relato, de aquello que es casi imposible de encarar por lo infinito de su sufrimiento.

Porque de lo que se trata es de abordar el dolor desde distintos ángulos solo para dilatarlo, esquivarlo, evitar su aparición.

Aunque aquello que se evade nombrar, temprano o tarde, llega.

Finalmente aparece el vano intento, aunque siempre válido, de intentar reescribir la vida.

Qué: Golpe de aire

Quién: Autoría y Dirección: Marcelo Mininno.- Actuación: Andrés D’ Adamo, Lautaro Delgado, Silvia Oleksikiw, Germán Rodríguez, Raquel Sokolowicz.-

Vestuario y Asistencia artística: Carolina Mas.- Escenografía: René Diviú.- Iluminación: Eli Sirlin.- Fotografía: Pablo Morgavi.-

Web: http://www.golpedeaireweb.blogspot.com/

POR EL LADO MÁS BESTIA

Por el lado más bestia de la bestia…ese lado que despierta un día y de pronto salen las peores alimañas desde el fondo de uno. El enano fascista que habita en algún rincón del cuerpo o de la mente, que está en ambos escondido, agazapado, esperando por saltar a la superficie.

Ese día ha llegado.

El multifacético Pablo Micozzi, los desalojó de su interior a las patadas.

Y no fue uno solo el que salió maldiciendo a las escupidas, fueron una banda…

En forma de monólogos sueltos, sin un hilo que los una o ate o apriete, este pluripersonal hace su propio viaje con un humor ocurrente y espontáneo.

Como una impro instantánea que mantiene vivo el momento presente.

Si algo da coherencia a las incoherencias de los personajes que brotan de Mikozzi, es la exploración en algunos prejuicios, que el actor lleva hasta el extremo. Extremo bestial.

Algunas escenas están intercaladas con videos. Proyecciones que hacen de ‘espacio publicitario’ del espectáculo donde es él mismo quien se ‘publicita’. Varios temas encuentran eco en cualquier espectador desatento.

A la vez, cada propuesta de esta varieté de un solo actor, plantea preguntas. Interrogantes que con acidez hacen pensar en los mecanismos de relacionarse/defenderse/atacarse del hombre.

El miedo y las paranoias que llevan a uno a encerrarse, aquí se desencadenan hasta llegar incluso a perder la vida en el delirio persecutorio y el afán de esconderse.  (¿Esconderse de la realidad?¿Evitar lo inevitable? ¿Ser un cobarde?)

Otro personaje curioso es el duende lumpen, drogón y a la vez visionario. En él se establece una vinculación entre las drogas y su efecto alucinatorio, con la visión lúcida del genio.

Esa especie de ambigua contradicción que pone en jaque la dicotomía bueno/malo, así como cualquier otro pensamiento de esa naturaleza, se manifiesta en la construcción y los planteos de los seres que crea Mikozzi.

Así, otro personaje escenifica la ilusión virtual de estar vivo pero mantenido por la actividad de la red. (¿Conectado con el mundo o desconectado del mundo?). La realidad y la irrealidad.

O el payaso depresivo, trasfondo de todo aquél cuya ocupación es divertir o hacer reír al otro. También el portero puto y su discriminación.(Una vez más, la discriminación que esconde el temor a la indiferencia social).

La totalidad de la propuesta es una visión mikozziana del mundo atravesada por años de trabajo independiente.

Es un todo que produce ese malestar del reirse de lo que uno desprecia y a la vez es. Un todo que muestra la crudeza de la vida cotidiana con sus muchas aristas distintas (no todas negativas).

Finalmente, una especie particular e inteligente de humor social, en contacto con la realidad contemporánea de su ciudad.

Somos unas bestias. Pero ese -por suerte- es solo un lado.

Qué: Por el lado más bestia

Quién: Idea, Dramaturgia, Dirección e Interpretación: Pablo Mikozzi.- Dirección artística: Tino Tinto.- Diseño gráfico: Pablo Bolaños.- Asesoramiento de vestuario: Pablo Battaglia.- Asistencia de escenario: Gimena Storni.- Producción ejecutiva: Andrés Giardello, Anita Luscher

Web: http://www.srmikozzi.blogspot.com

Dónde: CIUDAD CULTURAL KONEX

Sarmiento 3131.- 4864-3200 http://www.ciudadculturalkonex.org

Cuándo: Domingo - 20:00 hs -

SALOMÉ DE CHACRA

Sala Cunill Cabanellas, 3º subsuelo, espacio frío. Fondo de chapa oxidado donde asoman unos helechos de las junturas. (Algo de vida surge entre lo inerte)

La gente parlotea, se relaja en sillas negras de plástico, simples, baratas, de comedor escolar. Alrededor de 150 burgueses, adultos de clase media (la clase que mayormente habita el teatro en Buenos Aires).

Restos de madera y hierros por ahí, en la escena.

Suelo de tierra fría y húmeda. Una pampa escénica plagada de metáforas.

Empieza la obra, surge un nuevo mundo que sumerge al hombre en sus entrañas como si fueran un universo exterior. Pero bien propias.

Tragedia pampeana.

En un lenguaje poético singular, el texto se desenvuelve en los oídos del espectador y lo penetra hasta hacerle sentir el dolor de la poesía. Con juegos de palabras que son como el aroma del campo,  mezclado de hierba y asado, de soledad y amplitud, de naturaleza y brutalidad.

El que clama en el desierto ahora está en las pampas predicando su dialéctica.

Donde los hombres hacen, además de estar.

¿Es la peonada vulgar por ser pueblo, vulgo? ¿No habita poesía en la rudeza de la tierra y sus arados? ¿O es que la tierra aquí es sólo finura de propietarios y el muchacho hundido en un pozo sin ser el bautizado, es símbolo de una voz que se intenta destruir?

En el campo, entre la carneada, surgen de abajo los hechizos. En la brutalidad más vasta, el hipnotizante poder del conocimiento. Encanto que pierde a la mujer de este relato. Cuyo lugar es el de una fémina histérica y caprichosa, que todo quiere pero nada consigue, que sólo destruye. (Tal vez como representante del capricho de una clase). En sus manos anida la destrucción  del profeta que predica el cambio entre los hombres

La puesta, una exquisitez que combina lo sacro y lo profano. Como el texto dramático.

Qué: Salomé de Chacra

Quién: Autoría y Dirección: Mauricio Kartun.- Actuación: Stella Galazzi, Osqui Guzmán, Lorena Vega, Manuel Vicente.- Vestuario: Gabriela A. Fernández.- Escenografía: Norberto Laino.- Iluminación: Alejandro Le Roux.- Diseño sonoro: Tian Brass.-

Asistencia artística: Lorena Ballestrero, Gabriela A. Fernández.- Supervisión coreográfica: Luciana Acuña

Dónde: TEATRO DEL PUEBLO  Av Roque Sáenz Peña 943  Teléfonos: 4326-3606.-  http://www.teatrodelpueblo.org.ar

Cuándo: Domingo - 20:00 hs - Viernes 21:00 hs.-  Sábado - 20:00 hs

GRANOS DE UVA EN EL PALADAR DE LA MEMORIA

Concisa obra española que boga por la memoria. Una memoria que une a los pueblos. La memoria del hombre contra el olvido de símismo. Memoria que se opone al abuso y la tortura, a las vejaciones, a los delitos de lesa humanidad.

Pero sobre todo, una memoria del ser humano por su condición misma de ser. Por la humanidad, por la construcción de una sociedad más sana, una sociedad que se haga cargo de sus actos, que los asuma.

Es esta una pieza breve –coreográfica- donde vestuario, escenografía, iluminación, forman un conjunto que aporta semánticamente a la construcción de un sentido.

Fondo rojo, trajes negros, luces blancas. Algo básico y contundente conforman tres colores potentes:rojo, negro y blanco.

Iluminación con lamparitas, austeridad. Una simpleza que puede evocar a ese pueblo campesino, labrador, trabajador que nada posee más que el suelo que hay bajo sus pies, la tierra donde crece la vid, donde los frutos se convierten en hombres y en poetas.

Rectángulo blanco de luz en el centro de la sala hace de mesa, de celda. Luces que construyen escenográficamente.

Una historia contada por mujeres, todas mujeres. Mujeres que se transforman  con apenas una tela gris sobre el cuerpo. Mujeres que habitan de otra forma la casa de Bernarda y el mundo. Mujeres que son Lorca. Mujeres que luchan.

El pasado pesa como un mandato de la historia que necesita ser reconstruida. Recogidas sus piezas para poder ser sanada.

Y un muerto que clama, que pide ser buscado. Debe serlo.

El pasado le pide al presente que no olvide.

El teatro, poderoso, es vehículo de ese sentir de un pueblo que intenta ser callado.

El teatro habla por todos sus poros.

Y hay poesía en ello.

Qué: Granos de uva en el paladar

Quién: Dramaturgia y Dirección: Susana Hornos, Zaida Rico.- Actuación: Arantza Alonso Peralta, Lucía Andreotta, Marta Cuenca, Clara Díaz, Sauce Ena, Ruth Palleja.- Coreografía: Antonio Luppi.-

Vestuario y Caracterización: Néstor Burgos.- Iluminación: Mariano Arrigoni.- Diseño de escenografía: Alejandro Mateo.- Realización de escenografia: Chinthia Chomsky.- Música original: Gonzalo Morales.- Fotografía: Akira Patiño

Diseño gráfico: Sergio Calvo.- Producción ejecutiva: Pablo Silva.- Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate.-

Web: http://granosdeuvaenelpaladar.blogspot.com

Dónde: CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN   Corrientes 1543-

Teléfonos: 5077-8077.- Web: http://www.centrocultural.coop

CUÁL ES EL PROYECTO

Es una pregunta posible interrogarse sobre cuál es el proyecto de CMMN SNS PRJCT. ¿Es una obra de teatro? ¿Es una obra de danza? ¿Es una performance? ¿Es un discurso puesto en escena?

Ellos mismos advierten al espectador cuando afirman en su gacetilla: “SI usted dice que esto es una obra de teatro, usted afirma. Si usted dice que esto no es una obra de teatro, usted niega. Más allá de la afirmación o la negación, ¿qué diría usted?”.

Un título sin vocales, un título consonante, ¿a qué suena el título?

Apelación directa al público que se convierte en objeto de la representación donde lo que se hace tiene un valor de verdad, ya se regalen cosas o se firmen acuerdos.

Como fondo y en primer término, el Discurso. El discurso como tema, la palabra puesta en juego. El poder de la palabra como construcción de realidad, de saber, como afirmación.El valor de la palabra puesto en crisis. La palabra como contrato entre individuos. Una palabra que forma y construye.

Otros temas que son puestos en jaque en el discurso de esta propuesta son la guerra, el consumo, el mercantilismo, la sociedad capitalista en sí.

Dentro se parodia, en un juego metatextual, al propio teatro, a la danza contemporánea, a la representación en sí. Es autorreferencial, por eso mismo, política. Porque piensa la representación y la pone en crisis.

A la vez, toda la puesta parece un pastiche postmoderno.

Un choque que devuelve la realidad como un espejo, la fragmentación de ese mundo donde la palabra ha perdido su peso, su valor.

Hasta puede llegar a violentar porque todo lo que se dice y se pacta entra en el marco de lo real, trasciende el espacio de la ficción en el que el público entra, rompe ese pacto. La palabra sella un acuerdo real entre el espectador y el intérprete. Los objetos son regalados, la obra es subastada.

Una propuesta postdramática que juega en los límites de lo teatral para vivirse como la realidad misma, como la propia vida.

Sin construcción de personajes desde la concepción psicologista, sin el planteo de un conflicto claro, la obra trasciende al teatro para conformarse en discurso escénico con una propuesta de claro diálogo con el público, espectador, ese otro que completa la representación.

Cada elemento de esta puesta apunta a la construcción de múltiples y válidos sentidos.

La propuesta es cuestionadora del hombre, de su medio, del sistema de producción, recepción, consumo.

Difícil sentir lo poético del acontecimiento.

Imposible evadir la reflexión.

¿Cuál es el objeto de lo teatral?

Qué: CMMN SNS PRJCT

Quién: Autoría: Laura Kalauz.- Performers: Laura Kalauz, Ignacio Sánchez Mestre, Martin Schick.- Escenografía: Cristina Nyffeler.- Dirección: Laura Kalauz, Martin Schick.- Prensa: Debora Lachter.- Coproducción: Nada Especial Tanz, Freischwimmer Festival, Theaterhaus Gessnerallee Zürich.

Dónde: LA CARPINTERÍA Jean Jaures 858  Teléfonos: 4961-5092

Web: http://www.lacarpinteriateatro.com.ar

EL CORDERO DE OJOS AZULES

Grandes cruces de madera penden sobre el público hasta casi rozarle la cabeza. Se ven amenazantes, como símbolo de un poder que acecha y oprime.

Al fondo, una pintura sumerge al espectador en un ambiente artístico. El espacio fusiona la evocación de una iglesia con un atelier de pintor.

Hay olor a incienso que arde en una esquina. Todo se presenta para introducir una atmósfera cargada de ritos, de elementos religiosos, a la vez telúricos y orgánicos.

La propia historia está cruzada de lo terrenal y lo espiritual. Desde el planteo del texto dramático, donde la peste acecha a una ciudad moribunda en la que permanecen aún vivos y ocultos una canonesa y un pintor. Este tiene el encargo de realizar una pintura de Santa Lucía. La canonesa, de que lo lleve adelante.

En medio de un intertexto histórico que bebe de la propia historia nacional, se cuela el intertexto literario que remite a Muerte en Venecia de Thomas Mann. En esta obra, la peste que acecha es sinónimo de la putrefacción humana, hecha carne en el cuerpo del protagonista, quien se enamora platónica y profundamente de un angelical muchacho.

En El cordero de ojos azules, es el pintor quien queda obnubilado por la figura de un joven casi angelical que aparece entre sueños y realidad. El espacio de la ficción está quebrado. La peste amenaza y confunde.

En medio de esta atmósfera densa, la reflexión sobre el arte. La belleza como fuente de inspiración. También el horror, la fealdad, puestos en tela de juicio…nunca mejor dicho, pues allí, en la tela, es donde el pintor dará forma a su juicio.

Por eso la vista, los ojos, la santa con un par de ojos azules en la mano. El ver parece esencial en este debate entre la belleza, la muerte, el arte y la verdad.

Lo esencial es invisible a los ojos, decía el verso.  Si creer en algo no requiere de la vista ¿es una cuestión de fe lo que se interroga en el texto?

La pregunta queda planteada en un ámbito donde la fe se cuela. Lo religioso, lo artístico, lo bello, las creencias.

La fe individual que guía con la construcción social como contexto.

Hay que creer para ver.

Qué: El cordero de ojos azules

Quién: Autoría: Gonzalo Demaría.- Actuación: Carlos Belloso, Guillermo Berthold, Leonor Manso.- Vestuario: Julio Suárez.- Escenografía: Gonzalo Córdova.- Iluminación: Eli Sirlin.- Música original: Gerardo Gardelin.- Asistencia artística: Marcelo Pozzi.- Dirección: Luciano Cáceres

Dónde: TEATRO PRESIDENTE ALVEAR Av. Corrientes 1659 Teléfonos: 4373-4245 / 4374-9470.- Web: http://www.complejoteatral.gob.ar

Cuándo: Domingo, Miércoles, Jueves,  Viernes y Sábado - 21:00 hs