LALÁ Y EL TOQUE TOQUE

Una pequeña y singular orquesta compuesta por voz, piano, batería, violín, contrabajo, clarinete y banjo-cavaquinho, es la encargada de llevar a buen puerto este viaje musical.

Al volante de la historia se encuentra Lalá (Karina Antonelli) que de un modo tierno y preciso, encarna distintos personajes que van a dar color y amenizar el viaje. Porque la propuesta de Lalá y el Toque toque, hace que tanto niños como adultos levanten vuelo con su imaginación y sean transportados a otros espacios.

Allí, una asistente medio atolondrada que ayuda al pianista, da varios puntapiés para una serie de situaciones cómicas tamizadas de romanticismo.

La propuesta tiene un ritmo propio, lejos de la velocidad estilo ‘zapping’ televisivo que caracteriza otras programaciones infantiles. Por el contrario, aquí el público puede apreciar estilos musicales que oscilan entre la música clásica y los ritmos latinoamericanos, con temas propios y ajenos, en un tiempo que permite la escucha.

Desde la órbita de la música, Lalá y el Toque toque introducen al espectador infantil –y adulto también- en el universo lúdico a partir de propuestas de juego que brindan las letras de los temas. De esta manera, el público participa activamente y comparte la música desde el disfrute que esta brinda.

Un espectáculo de canciones teatralizadas, con una pizca de humor, para toda la familia.

Qué: Lalá y el Toque toque

Quién: Intérpretes: Diego Alejandro, Karina Antonelli, Osvaldo Belmonte, Quique Condomí, Mintcho Garrammone, Guido Martinez, Roberto Seitz, Néstor Tomasini.- Voz en Off: Eugenia Alonso.- Vestuario: Ana Algranati.- Escenografía: Valeria Abuin.- Iluminación: David Seiras.- Diseño sonoro: Nicolás Diab.- Fotografía: Nora Lezano.- Diseño gráfico: Eduardo Tunni.-

Asistencia general: Graciela Gallelli.- Prensa: Luciana Zylberberg.- Arreglos y dirección musical: Osvaldo Belmonte.- Coreografía: Ana Padilla.- Dirección de títeres: Daniela Calbi.- Dirección general: Karina Antonelli, Luciana Zylberberg.-

Dónde: NOAVESTRUZ  Humboldt 1857.- Teléfonos: 4777-6956.- Web: http://www.noavestruz.com.ar

Cuándo: Sábado - 17:00 hs

DESPUÉS DEL AIRE (sainete oral)

En un espacio casi circular, el espectador se ubica para observar desde adentro el desarrollo de un programa de radio.

Se trata de un radioteatro realizado por una compañía que parece estar en decadencia. Allí intervienen dos actores y dos actrices que construyen el relato ficcional que sale al aire. Entre ellos, una joven con algún tipo de retraso madurativo pero portadora de una bella voz que es utilizada para amenizar las funciones; y otro muchacho con una pequeña discapacidad física que es quien parece manejar las cuestiones más técnicas de la radio. De esta manera, propone implícitamente entre los temas que toca la propuesta, la cuestión de las capacidades diferentes, además de construir personajes que oscilan entre el estereotipo y la originalidad.

En este juego de la ficción dentro de la ficción -también circular- el teatro en sí está puesto como objeto. Se produce una especie de reflexión metateatral donde se plantea el lugar del actor, el acto mismo de creación, las cuestiones de competencia a modo de ‘rating’ radial, las luchas de poder y de egos, el arte, las drogas, la política, en fin, todo el universo del teatro está puesto en cuestión dentro del teatro. Donde tampoco el espectador queda fuera, ya que es casi increpado de soslayo al sostener desde lo ficcional que el público consume cualquier cosa.

Lo interesante, además, es cómo se construye esa doble ficción. Por un lado, la puesta en escena que el espectador presencia en la sala, donde se ve un espacio radial ubicado en la década del ’30 en el que varios actores se disponen a trabajar. Por otro, la historia que narra el radioteatro. Este relato ficcional  toca el tema de los géneros teatrales argentinos como la gauchesca, y su destino dentro de lo que podría considerarse un desarrollo hacia otras formas teatrales.

Ubicados dentro de la historia, en lucha contra las modas reinantes y latentes traiciones internas, la compañía intenta seguir adelante con la programación prevista mientras todo se cae a pedazos.

Una descomposición que culmina en huída, donde el dolor y la emoción de un confeso y apasionado radical toca la puerta de la realidad más reciente, mientras roza alguna fibra profunda del espectador. 
Una obra expresiva y sintética, dramática y cómica a la vez. Un sainete oral para ver y reflexionar a un nivel teatral y político también.

Así, de salto en salto entre esos mundos relatados, el espectador construye su propio relato mientras puede emocionarse con las canciones que con precisión entona la ‘opa’ (Malala González) o con el arrebato de pasión y convicción política que emite en su discurso final Inhiesta (se destaca Pablo Sciolini).

En una época histórica donde las propuestas más comerciales parecen vanalizar la cultura, las convicciones que salen de la dramturgia de Binetti y Saba –quienes además se apropian de géneros locales desde su perspectiva personal- son el motor que producen cambios y obras como Después del aire en la cartelera porteña.

Qué: Después del aire
Quién: Dramaturgia: Andrés Binetti, Mariano Saba.- Actuación: Julieta Alfonso, Ignacio Bartolone, Malala González, Teresa Murias, Roberto Romano, Pablo Sciolini.- Realización y Diseño de escenografía: Andrés Binetti, Pablo Sciolini.- Diseño de luces: Andrés Binetti.- Diseño sonoro: Guillermina Etkin.- Música original: Martin Gonzalez.- Letras de canciones: Andrés Binetti, Mariano Saba

Diseño gráfico: Andrés Kyle.- Asesoramiento de vestuario: Julia Camejo.- Asistencia de dirección: Sabrina Gilardenghi.- Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin.- Dirección: Andrés Binetti.-

Dónde: TEATRO DEL PUEBLO  Av Roque Sáenz Peña 943 .- Teléfonos: 4326-3606.- Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar

Cuándo: Viernes - 21:00 hs

LA GRACIA DE TENER

Absurdo espectáculo de humor político-económico. Así se subtitula esta propuesta cuyo título lleva también a pensar. La gracia de tener...¿tener qué cosa? ¿por qué es una gracia tener? ¿cuál es la gracia? Así uno puede seguir elucubrando hasta ver la puesta en escena de este texto escrito por Manuel Santos Iñurrieta, quien además de dirigirla, se da el gusto de hacer un par de intervenciones escénicas.

La historia podría resumirse así:  unos aristócratas con graves problemas económicos alquilan su casa a un circo donde además se emplean como payasos para ganarse un dinero extra.  Un día aparece un general de la nación (remanente de Onganía según el programa) y todos confían en que los salve de su situación para volver a ser lo que eran.

A grandes rasgos, esta propuesta brechtiana, clownesca, particular, plantea cómo la oligarquía nacional intenta conservar sus privilegios, posiciones e intereses como clase dominante a lo largo de la historia del país a cualquier precio. Lo hace con ayuda de un relator externo, que no sólo introduce mediante un monólogo el desarrollo de la historia, sino que orienta al espectador al narrar desde fuera los sucesos, recordándole que está en el teatro.

La técnica del clown sirve tanto para aligerar en cierta forma la pieza, como para dar cuenta de la gran payasada que representan este grupo de oligarcas que intentan arañar con todas sus fuerzas un poder que se les escapa de las garras.

Ubicada a nivel histórico en el año 1961 durante la presidencia de Arturo Frondizi, la reflexión que plantea bien puede trasladarse hasta nuestros días. Momento en que se atraviesa una lucha crucial con aquellos poderes que desde siempre han manejado o intentado manejar el destino político, económico y social del país, cuya manifestación surge con claridad en algunos medios masivos de comunicación.

Política y cómica, el texto desenmascara con humor las profundas relaciones sociales de opresión así como la mascarada que conforman las clases aristócratas junto al poder eclesiástico y militar.

El personaje de la mucama,  mujer que todo lo soporta y que desenmascara con lucidez los manejos aberrantes de la clase dominante, es quien lleva en su construcción el dar cuenta de estas relaciones sociales de producción en la representación escénica. Ella hace honor a las técnicas brechtianas en un proceso de distanciamiento del personaje que cede lugar a la actriz (muy buena Carolina Guevara). Allí, citándose a sí misma, da lugar a su voz pone en esceana su mirada crítica y la de de la obra.

Absurda y denunciante a la vez,  La gracia de tener expone los manotazos de payaso que da la oligarquía para detentar el poder a cualquier costo, incluso haciendo de su casa un circo.

Qué: La gracia de tener

Quién: Texto y Dirección general: Manuel Santos Iñurrieta.- Actuación: Jeronimo Garcia, Julieta Grinspan, Carolina Guevara, Diego Maroevic, Marcos Peruyero, Manuel Santos Iñurrieta, Jorge Tesone.- Música original: Claudio Solino.- Asistencia técnica: Marina García, Javier Zanón

Dónde: CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN   Corrientes 1543

Teléfonos: 5077-8077.- Web: http://www.centrocultural.coop

Cuándo: Sábado  20:30 hs.-

EL NIÑO CON LOS PIES PINTADOS

El joven con cara de niño y un dolor de hombre que le ha dejado los ojos clavados, vidriosos, bordeando la mudez pero tan duramente expresivos, permanece sentado frente a nosotros que entramos a acomodarnos en las butacas.

No sabemos aún de qué se trata la historia, pero esa mirada denota temor, distancia, aislamiento, resignación.

Esta obra presenta un interesante abordaje de un tema delicado. Es a la vez reflexiva y distante. Con humor pero sin resultar risible.

Cuestionadora del lugar de la salud, del médico, del profesional. Donde hay una denuncia del sistema de salud pero al mismo tiempo, el lugar del médico es rescatado con cierta ambigüedad. Muchas veces es él quien entra en un contacto real con el paciente, empatiza al compartir su dolor y lo ayuda a sanar o al menos, a soportar.

El texto dramático plantea en su puesta la imaginación como una especie de huída. Y esta huída como una defensa de un mundo exterior poco amigable, áspero, hasta cruel.

No hay solución tranquilizadora para el espectador.

En una mezcla casi ecléctica que incluye escenas musicales o que rozan el universo onírico, la puesta sabe representar con sutileza y precisión situaciones innombrables.

Ahí están el dolor y la impotencia, allí se presenta la realidad.

Realmente El niño con los pies pintados es una propuesta disparadora que invita a reflexionar haciendo partícipe (hasta casi cómplice) al espectador de la vivencia.

Con la distancia justa para llegar a tocar la sensibilidad y el intelecto del público pero sin paralizarlo con un K.O.

Qué: El niño con los pies pintados

Quién:  Autoría: Diego Brienza, Laura Fernández.- Actuación: Marcelino Bonilla, Mar Cabrera, Ddaniela Donschik, Lucrecia Gelardi, Melina Kuperman, Laura Lina, Horacio Marassi, Pamela Marmissolle, Maia Menajovsky, Gabriela Perisson, Vanina Salomon, Mauro Telletxea.- Vestuario y Escenografía: Cecilia Zuvialde.- Iluminación: Sandra Grossi.- Diseño y Realización de objetos: Vìctor Salvatore.- Diseño gráfico: Bárbara Delfino.- Asistencia de dirección: Yasmin Sapollñik.- Coreografía: Federico Borensztejn, Maia Menajovsky.- Dirección: Diego Brienza.-

Dónde: ABASTO SOCIAL CLUB Yatay 666.- http://www.abastosocialclub.com.ar/

Cuándo: Viernes - 23:00 hs - Hasta el 26/08/2012

¡A LA OBRA! LA PIPETUÁ

En un escenario colorido un grupo de personajes algo extravagante duerme en un andamio. Luego de despertar empezará, acompañado con canciones, a ponerse ¡manos a la obra!

La propuesta que dirige Osqui Guzmán propone así la idea de la construcción como un hecho colectivo en donde la participación de cada uno posibilita que se lleve a cabo el propósito.

Puede no estar muy claro qué es lo que se quiere construir como objetivo final. Pero el acento está puesto más en el medio, en el hacer, que en el fin.

Así este grupo de personajes inventa circuitos de agua, arma distintas construcciones desopilantes, y crea situaciones donde todos participan desde su propia personalidad.

La obra se construye con música, color, movimiento y humor, a partir de un lenguaje no verbal que permite el acceso a todo público así como la amplitud de sentidos desde los gestos que proyectan.

Utilizan técnicas lumínicas y también tecnología digital que asombra hasta al espectador más asiduo a espectáculos novedosos.

El único pero que puede tener esta interesante propuesta es su duración. El despliegue que realizan en la obra tiene una extensión temporal que  hace que se pierda el dinamismo que los más pequeños necesitan para continuar atentos.  Cuestión que se ve matizada por las sorpresas visuales que hacen abrir más grandes los ojos a todos.

Finalmente, es destacable el concepto que anida detrás de todo el despliegue de entretenimiento.  Aquello que queda casi como una síntesis de lo que uno vió. En ese sentido, la idea de la construcción en grupo excede los límites teatrales para adentrarse de lleno en una propuesta sobre la vida.

Qué: ¡A la obra!

Quién: La pipetuá.- Dramaturgia y Dirección: Osqui Guzmán.- Actuación: Sebastián Amor, Diego Lejtman, Maxi Miranda, Fefo Sellés.- Diseño de vestuario: Gabriela A. Fernández.- Diseño de escenografía: Azul Borenstein.- Diseño de luces: Adrián Cintioli.- Realización de vestuario: Patricio Delgado.- Video: Maxi Amor, Mauro Parissenti.- Música original: Fefo Sellés.- Fotografía: Hebe Rozwadower.- Utilero: Gabriel Diaz, Maximiliano Méndez.- Diseño gráfico: Juan Battilana.- Diseño de imagen: Martín Badia.- Asistencia de vestuario: Ivan Videla.- Asistencia de dirección: Emanuel Zaldua.- Prensa: Debora Lachter.-

Dónde: TEATRO METROPOLITAN   Av. Corrientes 1343.- Teléfonos: 5277-0500

Web: http://www.teatrometropolitan.com.ar

Cuándo: Domingo y Sábado - 16:00 hs

ANHELOS

El deseo es el arriero del camino donde el clown atiza el fuego para avanzar con alegría.

Una pequeña tropa de desorbitantes personajes aparece en escena luego que un video nos da la bienvenida. Es un grupo bastante parejo en donde alguno sobresale más que otro pero sin que lleguen a opacarse. Cada uno con su momento, con su propio clown, con sus características singulares.

El tema explorado es el anhelo que está planteado como deseo o sueño perseguido. También como motor de la acción y continuidad del individuo y del grupo.

La propuesta se desarrolla a través de escenas que funcionan como sketches donde los personajes entran y salen alternadamente entablando distintas relaciones entre ellos.

En esas pequeñas escenas, el anhelo surge como algo perseguido, como una rueda de deseos que nunca acaba. Tan freudiana, tan primaria como las necesidades básicas de la vida, aquello que sostiene al individuo desde su  nacimiento y la constitución de su aparato psíquico. Algo tan esencial basta para impulsar el desarrollo de esta puesta escénica, lo que hilvana cada pequeña aventura de los personajes.

Otro gran personaje, que aporta alegría y color en la escena, es la orquesta de clowns que permanece siempre en el fondo relacionándose con cada actor y con el público.

La música que interpretan en vivo es genial. Su apoyo, acompañamiento e incluso protagonismo, muestra qué vital es para el teatro su presencia en directo.

En definitiva, Anhelos es una propuesta divertida, cálida e ideal para compartir con toda la familia.

Qué: Anhelos

Quién: Actúan: Cecile Caillon, Lidia Epsztejn, Rodrigo Frascara, Luis García Romeu, Aldana Gonzalez, Lourdes Herrera, Mariana Mayoraz, Valeria Radivo, Jorge Suzanne.- Vestuario: Julieta Guiser.- Escenografía: Gabriel Diaz.- Diseño de luces: David Seldes.- Realización de escenografia: Florencia Borowsky, Analía Gaguin.- Música original: Agustín Arano, Federico Forestano, Federico Russo, Emilio Elías Tanús.- Diseño gráfico: José Da Rocha.- Asistencia de dirección: Ignacio D'olivo, Lucas Silvani.- Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin.-

Producción ejecutiva: Diego Benjamín Pérez, Lucas Silvani.- Colaboración creativa: Marcelo Katz.- Coreografía: Pilar Rodriguez Rey.- Dirección: Marcos Arano.-

Dónde: ESPACIO AGUIRRE  Aguirre 1270.- 4854-1905 - 4857-9669.- www.marcelokatz.com.ar

Cuándo: Sábado - 20:00 hs

SHOPPING AND FUCKING

Dura, cruda, con un ritmo casi vertiginoso y buena dramaturgia. Así es como se me ocurre en un primer impulso, nombrar esta puesta en escena.

Si uno se detiene un poco a reflexionar acerca de su texto, el planteo es desolador, sofocante por la sordidez de la vida que escenifican los personajes. 

Los actores construyen con gran trabajo un mundo complejo  donde es realmente destacable el desempeño de Lucas Lagré, quien llena de vida su extremo papel.

Con un ritmo que le otorga cierta ansiedad al relato, los textos se desarrollan entre palabras, acciones e imágenes que sacuden al espectador.

El universo queer y la sexualidad son puestos sobre el tapete. Pero no para ahondar en causas o efectos, sino como una forma de mostrar pasiones que se cruzan, encuentran o desencuentran. O sea, no se trata de ahondar sobre cuestiones de género, sino de exponer el universo de la cruda sexualidad para preguntarse qué espacio ocupan y qué calidad contienen las relaciones humanas más íntimas en este mundo globalizado

La pieza expone esa frivolidad mercantil de la sociedad capitalista donde todo parece reducirse a una relación de compra/venta. Porque lo que escenifica la obra es que todo parece reducido a un banal intercambio, hasta el sexo, manipulado como otro objeto, una simple y superflua transacción entre cuerpos que parecen anestesiados.

Los valores son puestos en juego aunque sin intención de ser juzgados. Es el espectador el que puede verse tocado por los planteos de lo que está en escena. Él es quien habrá de pensar, juzgar o no, valorar, meditar.

Lo que queda, esos restos de seres que están objetivados cual mercancías en este gran ‘shopping’ globalizado, es desesperanzador.

La realidad es cruel y da de lleno en la cara echando abajo la careta.

Sin anestesia. Sin alternativas.

Al final parece asomar una luz esperanzadora (o la proyección del deseo de esperanza), pero solamente es un velo para un mundo cuyo motor es el dinero. Un dinero que ninguno tiene pero que maneja las transacciones que cruzan a las personas (pues el vínculo está prácticamente perdido).

¿Qué pasa con el mundo en qué vivimos? ¿Nos hundimos cada vez más hondo en el comercio globalizado, la especulación, la soledad?

¿Cuánta libertad tenemos para elegir?

Qué: Shopping and fucking

Quién: Autoría: Mark Ravenhill.- Traducción: Rafael Spregelburd.- Actuación: Eugenia Blanc, Lucas Lagré, Luciano Ricio, Daniel Toppino, Alfredo Urquiza.- Actuación en video: Mathias Sassone, Mariano Stolkiner.- Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño.- Diseño de escenografía y espacio: Santiago Badillo.- Diseño de luces: Julio López.- Diseño sonoro: Fernando Sayago.- Video: Santiago Badillo, Mariano Stolkiner.- Música original: Fernando Sayago.-

Fotografía: Guido Piotrkowski.- Diseño gráfico: Santiago Badillo.-Asistencia de dirección: Julieta Cajg, Mathias Sassone.-Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin.- Producción ejecutiva: Bárbara Rapoport.-Dirección: Mariano Stolkiner.-

Dónde: EL EXTRANJERO (www.elextranjeroteatro.com) Valentín Gómez 3378.-  4862-7400    www.elextranjeroteatro.com

Cuándo: Viernes - 21:00 hs.- Hasta el 31/08/2012